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Gerard Waskievitz drei Grazien 2017 Öl auf Leinwand 200 cm x 180 cm
Gerard Waskievitz drei Grazien 2017 Öl auf Leinwand 200 cm x 180 cm

Gerard Waskievitz: Grazien, Taschen und Weiteres

Michaela Helfrich Galerie Berlin
Berlin | 27.04.2018-09.06.2018
Existenzielle Themen aus dem Berliner Stadtleben vermischen sich mit alt bekannten Darstellungen aus der Renaissance. Drei weibliche Erscheinungen aus der Serie „Asphaltgrazien “ (2017) werden in zeitgemäßer Pose gemalt. Das Treffen dreier Freundinnen wird zu einer Versammlung der guten Eigenschaften: Anmut und Lieblichkeit, Schönheit, Freude und Heiterkeit, Ideale des weiblichen Liebreizes. Die „Drei Grazien“ erscheinen uns vor einem zeitgemäßen Hintergrund einer wohl desolaten Idylle, der heutige Diskurs und die Kommunikation scheint von der gleichen Innigkeit, wie in der klassischen Darstellung von Raffael. Uns unbekannte Gründe und Umstände lassen die drei Damen zusammenrücken vor einer morbiden Welt…nach Hesiod sind die drei Chariten Aglaia („Glanz"), Euphrosyne („die Freude bringende" oder „Frohsinn") und Thalia ("blühendes Glück"). Heute transportieren die drei Grazien dem Betrachter noch immer Freude, berücksichtigt man die zeitgemäßen und existentiellen Voraussetzungen. Auf wen oder was sich die drei Musen einlassen, bleibt uns verborgen. Auch nicht, wen sie beglücken...wichtig ist die eigentliche Szene, die in der gleichen Formation wie bei Raffael, Dürer, Cranach und Cassanova angeordnet wird. Gerard Waskievitz setzt das Thema der drei Grazien malerisch in einen neuen Zusammenhang. Durch die Wiederholung in der darstellenden Kunst scheint die Idee der drei Grazien zeitlos. Gerard Waskievitz lebt und arbeitet in Berlin und ist in internationalen Ausstellungen und Sammlungen vertreten.
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Corinne Wasmuht, aus der Serie / from the series Menschen im Kunstlicht, 2000 courtesy Kunsthaus NRW Kornelimünster
Corinne Wasmuht, aus der Serie / from the series Menschen im Kunstlicht, 2000 courtesy Kunsthaus NRW Kornelimünster

Catching the Light

KAI 10 - Arthena Foundation
Düsseldorf | 13.04.2018-07.07.2018
Die Ausstellung Catching the Light nimmt die Darstellung und den direkten Einsatz des Lichtes in der heutigen Kunst unter die Lupe. Der Fokus liegt dabei auf die Verbindung von Licht und Bewegung, sowohl bei der Darstellung oder Abbildung von Lichtwirkungen als auch bei der Inszenierung des Lichtes im Raum. Vor 150 Jahren konzentrierten sich die Impressionisten um Paul Cézanne auf die visuelle Wahrnehmung der Umwelt und entwickelten Darstellungsmittel, die einer sich ständig verändernden und beschleunigenden Welt entsprechen sollten. Auch die Künstler*innen der Ausstellung Catching the Light machen Prozesse der Wahrnehmung in ihrer Zeitlichkeit sichtbar. Das Spektrum der gezeigten Werke reicht von der Malerei über Fotografien und Videofilme bis zu Rauminstallationen. Dabei steht auch die Frage nach dem (auch medial bedingten) Verhältnis von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit zur Debatte. Dieses Verhältnis, das auch den sozialen und politischen Raum betrifft, hat heute völlig andere Konturen als zu Zeiten der Impressionisten. Catching the Light ist zugleich ein Plädoyer dafür, das kunsthistorische Erbe der Malerei im fortgeschrittenen Medienzeitalter nicht aus den Augen zu verlieren. Wenn der indexikalische Charakter der Fotografie kunsttheoretische Bild- und Raumbegriffe zu einseitig bestimmt, wie in der Folge von Rosalind Krauss’ Notes on the Index (1977) häufig geschehen, wird die phänomenale Vielschichtigkeit und Mehrdeutigkeit von Kunstwerken tendenziell auf ihren Informationsgehalt im Sinne ‚visueller Kommunikation‘ eingeengt.
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Strange Matter Ausstellungsansicht
Strange Matter Ausstellungsansicht

Strange Matter: Fabio La Fauci, Juan Miguel Pozo, Arny Schmit und Dominik Schmitt

janinebeangallery
Berlin | 27.04.2018-07.07.2018
Geboren in Kuba und wohnhaft in Berlin verfolgt der Maler Juan Miguel Pozo ein figuratives Narrativ in seinen Gemälden, das nach einer symbolischen Bedeutung von persönlichen und gesellschaftlichen Erinnerungen sucht. Verlorene Mythologien vermischen sich mit den Legenden von Großstädten. Neben einem spürbaren Enthusiasmus für das Historische und Anekdotische des Geschehens auf den Straßen und Häuserfassaden Berlins, scheint außerdem die fragile, sonnendurchflutete Schönheit Havanas durch seine formalen Kompositionen. Fabio La Faucis Arbeit, obwohl inspiriert von Surrealismus, abstraktem Expressionismus und Minimalismus, dabei schwankend zwischen abstrakter Geometrie und organischer Realität, entzieht sich den Versuchen der konventionellen Klassifikation von Kunst. Durch Aufteilung, Gegenüberstellung und Kollage multipliziert Arny Schmit die Sichtweisen auf seine Werke und gräbt in den Schichten seiner Motive. Die Schönheit der Frauen in seinen Bildern steht ihrer Einsamkeit und Traurigkeit gegenüber. Farbspritzer durchziehen makellose Farben und die gestaltenden Formen sind zertrennt, um das Unterliegende, die andere Seite der Medaille, die Dualität und das Unbekannte offenzulegen. Dominik Schmitts Werk umfasst vor allem Malerei und Zeichnung, aber auch Film und Videokunst. Thematisch beschäftigt er sich dabei mit Subjektivität sowie Fragen nach der Kunst und deren Begrifflichkeit. Bei aller Modernität bedient sich Schmitt stilistisch an Elementen der Renaissance und der christlichen Ikonografie.
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David Drebin · Red Balloons · 2011
David Drebin · Red Balloons · 2011

Made in Berlin

Camera Work Photogalerie
Berlin | 26.05.2018-25.08.2018
Die Ausstellung »Made in Berlin« umfasst rund 100 Fotografien von mehr als 20 Künstlern, die sich in ihren Arbeiten mit dem Thema »Berlin« auseinandergesetzt haben. Ob Berliner Architektur, berühmte Persönlichkeiten der Stadtgeschichte oder die Porträtierung der Berliner (Sub-)Kulturen: Die Künstler zeigen in ihren Werken jeweils einen Mikrokosmos der aktuellen Zeitgeschichte der Stadt, die in ihrer Gesamtbetrachtung ein buntes, aufregendes, spannendes und vor allem kunstvolles Porträt der Stadt Berlin darstellen.
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Kai Schiemenz

Galerie Eigen+Art Leipzig
Leipzig | 14.04.2018-16.06.2018
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Sommerausstellung

Galerie Eigen+Art Leipzig
Leipzig | 22.06.2018-25.08.2018
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AA Bronson, Hotel Photos, 1995-2000 (detail), Series of 5 C-prints, 27,9 x 35,6 cm, Photo © AA Bronson
AA Bronson, Hotel Photos, 1995-2000 (detail), Series of 5 C-prints, 27,9 x 35,6 cm, Photo © AA Bronson

Catch me if you can! AA Bronson + General Idea, 1968-2018

Esther Schipper
Berlin | 27.04.2018-26.05.2018
Fifty years after AA Bronson, Felix Partz and Jorge Zontal first met in 1968, before starting to work the following year under the name General Idea, Catch me if you can! AA Bronson + General Idea, 1968–2018 is the first exhibition of selected works by both the group and its surviving member, AA Bronson, presented as a continuity. Felix Partz and Jorge Zontal died in 1994. These five decades of work are examined through the double theme of disappearance and appearance. A careful examination of the works reveals that this motif has spanned the entire career of General Idea and still inhabits the work of AA Bronson. Thus, for instance, Venetian blinds are widely featured in the work of General Idea, as in the two iconic 1975 V.B. Gowns and many associated photographs shown in the exhibition. This double dynamic sometimes flirts with the ghostly, as in Bronson’s 2012-2013 photograph White (in collaboration with Ryan Brewer) and General Idea’s Paolini Project from 1977, where the status and reality of the bodies appear subtly uncertain. There are many examples of this ambiguity which General Idea and AA Bronson have slipped into, not only to blur boundaries between reality and fiction but also to defy the conventions of the gaze and the very nature of what is perceptible, or rather acceptable to the eye. Between presence and absence, concealing and revealing, either directly or in a more discreet and enigmatic manner, this dichotomy often manifests itself with the body as a point of reference. Sometimes not visible, the body is then only suggested. This is the case with Bronson’s 2003 Bubble Machine #2, openly alluding to the AIDS virus, or with General Idea's 1992 El Dorado Serieswhich evokes extreme close-ups of different skin tones. This series of abstract paintings appropriates the 18th-century caste paintings commissioned by Philip V of Spain to map and identify the ethnic groups of Latin and South America. Conversely, sometimes the body is there, accessible in its physical reality, as in Bronson’s most recent photograph, Flasher (in collaboration with Matthias Hermann), specifically produced for the exhibition, or in General Idea’s numerous self-portraits from the 1970s taken in mirrors. A discreet but omnipresent accessory in this artistic adventure, the mirror acts as an essential tool, both iconographic and conceptual. Ambiguous by nature, it has allowed the artists to constantly play with the status of things (real or representation?) and the veracity of what is represented, to stage a form of evanescence while opening up the scope of the visual and that of possibilities. The mirror almost becomes the guiding principle of this exhibition, for which predominantly rarely seen or not previously shown works have been selected, including for instance a large number of re-discovered photographs from the late 1960s and early 1970s. In order to emphasize this community of interests and concerns across the large time spectrum of the exhibition, the uncompromising decision was made to opt for a strictly chronological presentation. This system, while affirming a great conceptual coherence, continuities, nods, and cross-references, bears witness to the important formal diversity and to the intense creativity of artists who have never ceased to renew their vocabulary, even in regards to considerations spanning across half a century of work. – Frédéric Bonnet
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Tim Eitel, Vie imaginaire, Ausstellungsansicht, Galerie EIGEN + ART Berlin, 2018, Foto: Uwe Walter, Berlin
Tim Eitel, Vie imaginaire, Ausstellungsansicht, Galerie EIGEN + ART Berlin, 2018, Foto: Uwe Walter, Berlin

Tim Eitel

Galerie Eigen+Art Berlin
Berlin | 12.04.2018-26.05.2018
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Carsten Nicolai

Galerie Eigen+Art Berlin
Berlin | 31.05.2018-07.07.2018
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© Architekturmuseum der TU Berlin
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Neue Gärten – Gartenkunst zwischen Jugendstil und Moderne

Liebermann-Villa am Wannsee
Berlin | 25.02.2018-28.05.2018
Das ausgehende 19. Jahrhundert war eine Zeit der Reformideen: Das Reformkleid und das Reformhaus kommen ebenso aus diesen Jahren wie die Reformpädagogik oder das Reformspielzeug. Die unterschiedlichen Reformbewegungen reagierten auf eine tiefgreifende Unzufriedenheit der bürgerlichen Schichten mit der gesellschaftlichen und der politischen Situation im deutschen Kaiserreich. Auch in der Gartenkunst formierte sich eine Reformbewegung. In Opposition zur bisherigen, von den Ideen des englischen Landschaftsgartens geprägten Praxis, forderten Architekten, Künstler und Landschaftsplaner den Reformgarten. An die Stelle der Imitation von Landschaft mit sich schlängelnden Wegen und anmutigen Gebüschpflanzungen sollte ein streng geometrischer Garten mit durch Hecken definierten Raumeinheiten treten. Für Nutzung und Bepflanzung wurden ganz neue Konzepte entwickelt, die in ganz Europa aufgegriffen wurden. Kreative Köpfe des Reformgartens waren u.a. die Architekten Josef Maria Olbrich und Peter Behrens, der Direktor der Hamburger Kunsthalle, Alfred Lichtwark, und der Gartenarchitekt Erwin Barth, aber auch Künstler wie Leopold von Kalckreuth und Max Liebermann, die ihre Gärten im Sinne der neuen Ideen gestalten ließen und zum Motiv ihrer Kunst machten. Die Ausstellung „Neue Gärten – Gartenkunst zwischen Jugendstil und Moderne“ in der Liebermann-Villa zeigt die Ursprünge der Gartenreformbewegung und ihre Auswirkung auf die Gartenkunst um 1900. Mit ausgewählten Gemälden, Plänen und Dokumenten macht sie den Liebermann-Garten als herausragendes Beispiel dieser Kunst erkennbar. Die Ausstellung ist in Kooperation mit der Stiftung Schloss und Park Benrath entstanden....
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Seeblicke. Niederländische Zeichnungen aus der Sammlung Barthold Suermondt

Gemäldegalerie Berlin
Berlin | 14.03.2018-16.06.2018
Der Unternehmer und Bankier Barthold Suermondt (1818 – 1887) hatte bis in die 1870er Jahre hinein eine der bedeutendsten privaten Sammlungen von Gemälden und Zeichnungen alter Meister in Deutschland zusammengetragen. 1873 war er jedoch gezwungen, seine Kunstsammlung zu veräußern und bot sie den königlichen Museen in Berlin zum Kauf an. Im Dezember 1874 wurde im Inventarbuch des Kupferstichkabinetts der Eingang von 418 Zeichnungen festgehalten. Weitere Blätter aus Suermondtschem Besitz fanden 1879 und 1884 ihren Weg nach Berlin, sodass insgesamt 435 Zeichnungen die Bestände des Berliner Kupferstichkabinetts bereicherten. Bei dem weitaus größten Teil dieser Blätter handelt es sich um Werke niederländischer Meister aus dem 17. Jahrhundert. Zu dieser Zeit dienten Zeichnungen nicht mehr nur der Vorbereitung von Gemälden, sondern errangen den Status autonomer Kunstwerke. Neben religiösen Sujets, Genreszenen, Figuren- und Tierstudien bilden Landschaften und maritime Motive eine kohärente Gruppe. Die Ausstellung zeigt zwanzig Blätter aus Suermondtschem Besitz, die das Leben am Wasser thematisieren. Etwa die Hälfte der Niederlande liegt weniger als einen Meter über, rund ein Viertel des Landes unter dem Meeresspiegel. An die zerklüftete Küstenlinie mit den Flussmündungen von Rhein, Maas und Schelde schmiegen sich die Seehäfen von Amsterdam und Rotterdam. Durch die vorteilhafte geographische Lage, eine beachtliche Flotte seegängiger Schiffe und eine bedachte Zollpolitik kontrollierten die Niederländer schon am Anfang des 17. Jahrhunderts fast die gesamte Frachtschifffahrt des Kontinents. Zu Recht wurden sie die „Fuhrleute Europas“ genannt. Die Künstler dieser Zeit drückten die Begeisterung für die Seefahrt in ihren Werken aus und schürten diese damit gleichzeitig. Majestätisch ragen Handels- und Kriegsschiffe bei Willem van de Velde d. J. wie Kolosse aus der ruhigen See. Bei Ludolf Bakhuysen wirken die Fischerboote zwergenhaft neben einem Linienschiff mit geblähten Segeln. Mit enormer Detailfreude portraitierte Willem van de Velde d. Ä. die Mehrdecker mit ihren prachtvollen Heckspiegeln. Doch stellte das Wasser in den Niederlanden auch im Binnenland einen bedeutenden Wirtschaftsfaktor dar. Flüsse und Kanäle, Deiche und Brücken prägen die Landschaft bis heute. Selbst der Blick aus der Ferne wie in den Arbeiten Pieter de Withs und Philips Konincks schließt Segelboote und Kähne auf den Wasserstraßen mit ein. Selten zeigen die Künstler das Wasser unbelebt: Angler, Fischer und Fuhrleute bevölkern die Flüsse und Kanäle in den Darstellungen Jan van Goyens, Adriaen Verbooms und Jan van de Cappelles. Auch Zugbrücken, Schleusen und Wehre in den Zeichnungen Anthonie van Borssoms, Gerard Ter Borchs und Simon de Vliegers zeugen von der Kompetenz der Niederländer, im Einklang mit dem Wasser zu leben....
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Wolf Vostell, Dé/collage – Staatsgalerie, 1971, Plakatabriss © VG Bild-Kunst, Bonn 2017. Bild: Jürgen Spiler
Wolf Vostell, Dé/collage – Staatsgalerie, 1971, Plakatabriss © VG Bild-Kunst, Bonn 2017. Bild: Jürgen Spiler

Fast wie im echten Leben

Museum Ostwall im Dortmunder U
Dortmund | 14.11.2017-31.03.2019
Was eine expressionistische Landschaft aus den 1910er Jahren mit der Gegenwart zu tun hat? Die Neupräsentation der MO Sammlung zeigt: Mehr als gedacht. Sechs verschiedene Themenräume laden die Besucher_innen dazu ein, die eigene Lebensrealität mit der von Künstler_innen aus über 100 Jahren Kunstgeschichte zu konfrontieren. Dabei werden junge Menschen Wolf Vostells Stacheldraht-Installation „TEK“ wohl mit anderen Augen sehen als Zeitzeugen des zweiten Weltkriegs; Menschen mit Fluchtgeschichte werden Werke zum Thema „Krieg“ anders wahrnehmen als ein Zwanzigjähriger, der in Deutschland aufgewachsen ist. Auch die in der Ausstellung vertretenen Künstlerinnen und Künstler nehmen unterschiedliche Perspektiven ein: Otto Muellers "Badende im Teich" fühlten sich 1912 der sie umgebenden Natur offenbar sehr verbunden, während Mark Dion in seinen Arbeiten seit den 1990er Jahren die oft zerstörerischen Eingriffe des Menschen in die Natur zum Thema haben? Und wie erleben wir Natur? Indem das MO neue Verbindungen zwischen den Werken seiner Sammlung herstellt und ihre unterschiedlichen Kontexte sichtbar macht, ermöglicht es seinen Besucher/innen eine naheliegende und trotzdem überraschende Erfahrung: Die Arbeit von Künstler/innen findet nicht im luftleeren Raum, sondern in derselben Lebensrealität statt, die wir alle mit ihnen teilen. Kunst ist also eine besondere Art, die Welt zu sehen - und gleichzeitig bestimmt unsere Lebenswelt die Art, wie wir Kunst sehen. Wer Freude an dieser Begegnung hat, wird danach seine eigene Welt mit anderen Augen sehen....
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Foto: Nina Straßgütl
Foto: Nina Straßgütl

Carsten Nicolai: Tele

Berlinische Galerie Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur
Berlin | 23.03.2018-20.08.2018
Die Arbeiten von Carsten Nicolai (* 1965) oszillieren an den Schnittstellen von visueller Kunst und elektronischem Sound. Für die erste Ausstellungshalle der Berlinischen Galerie wird er eine raumgreifende Licht-Objekt-Installation entwickeln. Nicolai ist künstlerischer Autodidakt. Er studierte Landschaftsarchitektur und widmete sich zu Beginn seiner künstlerischen Karriere der Malerei, bis er sich Mitte der 1990er-Jahre zunehmend installativen und objektbasierten Arbeiten zuwandte. Parallel dazu ist er als Musiker unter dem Pseudonym Alva Noto aktiv. Seit vielen Jahren beschäftigt sich Nicolai mit Wahrnehmungsprozessen und macht die Mechanismen optischer wie akustischer Sinneseindrücke erlebbar. Von besonderem Interesse für sein Arbeiten ist die Frage nach den Möglichkeiten von subjektiver bzw. objektiver Erkenntnis. Er untersucht exemplarisch immaterielle Phänomene, die zu den grundlegenden Fragen nach dem Bewusstsein des Menschen führen – etwa danach, zu welchem Teil das Wahrgenommene außerhalb dieser Wahrnehmung faktisch existiert und zu welchem Teil es auf neuronaler Ebene durch unser Gehirn konstruiert wird....
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François Boucher, Chinesischer Würdenträger, von zwei Dienern getragen, um 1740, Rötel über dünner Graphitvorzeichnung © Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders
François Boucher, Chinesischer Würdenträger, von zwei Dienern getragen, um 1740, Rötel über dünner Graphitvorzeichnung © Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders

Rendezvous. Die französischen Meisterzeichnungen des Kupferstichkabinetts

Kupferstichkabinett
Berlin | 07.12.2018-03.03.2019
Das Berliner Kupferstichkabinett besitzt eine der bedeutendsten Sammlungen französischer Zeichnungen außerhalb Frankreichs. Erstmals lädt das Museum nun zum Rendezvous mit seinen „schönsten Franzosen" und zeigt die wichtigsten und hinreißendsten Blätter, die sich vor dem Auge des Betrachters auffächern zu einem reichen Panorama französischer Zeichenkunst vom 16. bis zum 18. Jahrhundert, von der Renaissance bis zur französischen Revolution. Werkgruppen der bedeutendsten Künstler dieser Epochen (u. a. Watteau, Boucher, Fragonard) werden ergänzt durch einzelne, noch nie gezeigte Blätter von herausragender Qualität. In der hochkarätigen Auswahl von etwa 100 Werken entfaltet die Zeichenkunst ihren ganz besonderen Charme, dem sich der Betrachter kaum entziehen kann....
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Kölnisches Stadtmuseum im Zeughaus, Foto: Rheinisches Bildarchiv
Kölnisches Stadtmuseum im Zeughaus, Foto: Rheinisches Bildarchiv

Bretter, die die Welt bedeuten: Kölner Geschichte im Spiel

Kölnisches Stadtmuseum im Zeughaus
Köln | 05.05.2018-26.08.2018
Spielen: Seit jeher ein menschliches Bedürfnis. Spielen ist Vergnügen, kann die Sinne anregen, das Gedächtnis schulen und die Fantasie beflügeln. Zunächst dem Adel vorbehalten, wurden Brett-, Würfel- und Kartenspiele im 19. Jahrhundert immer populärer und durch neue Drucktechniken für eine breitere Bevölkerungsschicht bezahlbar. Mit Beginn der Industrialisierung und dem einhergehenden neuen Familienbild kamen schließlich auch für Kinder Gesellschaftsspiele auf den Markt, die sowohl der Unterhaltung dienten als auch belehren sollten. Im Blickpunkt der Ausstellung steht das historische Gesellschaftsspiel als kulturgeschichtliches Phänomen und künstlerisches Dokument. Reich illustrierte Spielbretter, Spielkarten und Verkaufskartons dokumentieren den wandelnden Zeitgeist: Geographische Entdeckungen, technische Errungenschaften oder politische Ereignisse bringen eigene Bildwelten im Spiel hervor. Bis heute ist die Welt der Spiele vielfältig, spannend und lehrreich zugleich: Die Ausstellung führt die Besucher nicht nur zurück in vergangene Zeiten, sondern wirft mit einem digitalen Ausstellungsbereich auch einen Blick in die Spiele der Gegenwart. Besucherinnen und Besucher jeden Alters sind eingeladen, die vielfältigen Spielwelten selbst zu erkunden....
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Gert & Uwe Tobias, Ohne Titel, 2017, Holzschnitt auf Leinwand, 168 x 200 cm © Gert & Uwe Tobias / Alistair Overbruck / VG Bild-Kunst, Bonn
Gert & Uwe Tobias, Ohne Titel, 2017, Holzschnitt auf Leinwand, 168 x 200 cm © Gert & Uwe Tobias / Alistair Overbruck / VG Bild-Kunst, Bonn

Gert & Uwe Tobias

Kunsthalle Recklinghausen
Recklinghausen | 06.05.2018-09.09.2018
2018 endet die Steinkohleförderung und damit eine für die deutsche Geschichte der letzten 150 Jahre prägende Epoche. Der Kohleausstieg veranlasste die RuhrKunstMuseen, städte-übergreifend das größte je zum Thema »Kunst & Kohle« realisierte Ausstellungsprojekt umzusetzen. Damit kehrt auch die diesjährige Kunstausstellung der Ruhrfestspiele zum Ursprung des Festivals zurück. Das Künstlerduo Gert & Uwe Tobias erschafft narrative Räume. Seit ihrem Studium arbeiten die 1973 im siebenbürgischen Brașov (Kronstadt) geborenen Zwillingsbrüder zusammen – "Eins und eins ist bei uns drei, und drei ist die Arbeit" – und definieren seither die Collage als ihr Werkprinzip. Ihre komplexen Bildwelten zitieren die klassische Moderne, integrieren aber auch alltagskulturelle Fundstücke, Motive der Art Brut oder Elemente der Volkskunst. Im Zentrum der Recklinghäuser Ausstellung stehen großformatige, wie ein Puzzle gedruckte Holzschnitte, die durch ihre überbordende Fantasie und gleichzeitige handwerkliche Askese, durch Humor und hintergründige Künstlichkeit bestechen. Umfasst werden sie von Wandmalereien, die gleichermaßen alle drei Etagen der Kunsthalle Recklinghausen überziehen. Dazu kommen neue, vielteilige Serien keramischer Objekte. Gert & Uwe Tobias nähern sich dem Thema Bergbau in unterschiedlichsten Facetten und realisieren ein installatives Gesamtkunstwerk, das den Ausstellungsbesucher geradezu körperlich einbezieht. Die erzählerische Struktur ihrer Inszenierung verwebt Motive der bergmännischen Welt über und unter Tage, bleibt aber assoziativ offen. Die Ausstellung belegt einmal mehr die Faszination der Tobias-Brüder für das Groteske und Ambivalente, für das Spiel mit verführerisch bunten Oberflächen und dem Blick in abgründige Tiefen....
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Grafik: Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst
Grafik: Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst

10. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst: We don’t need another hero

Akademie der Künste (Standort Tiergarten)
Berlin | 09.06.2018-09.09.2018
Die 10. Berlin Biennale findet vom 9. Juni bis zum 9. September unter dem Titel We don't need another hero in der Akademie der Künste am Hanseatenweg, den KW Institute for Contemporary Art, dem Volksbühne Pavillon und dem ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik statt. In der Akademie der Künste bringt die 10. Berlin Biennale gesellschaftspolitische und historische Erzählungen in einen Dialog mit den umfangreichen Archivbeständen der Akademie, aber auch mit ihren Mitgliedern von damals bis heute und der brutalistischen Architektur von Werner Düttmann aus den späten 1950er Jahren. Dabei denken und handeln die beteiligten Künstlerinnen und Künstler und andere Beitragende über den Kunstkontext hinaus, indem sie sich mit den Ängsten und Sorgen unserer Zeit auseinandersetzen. We don't need another hero wird kuratiert von Gabi Ngcobo und einem kuratorischen Team, dem Nomaduma Rosa Masilela, Serubiri Moses, Thiago de Paula Souza und Yvette Mutumba angehören....
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Blick in die Ausstellung im Ausstellungsgraben, 2013. Foto: Britta Scherer / Stiftung Topographie des Terrors
Blick in die Ausstellung im Ausstellungsgraben, 2013. Foto: Britta Scherer / Stiftung Topographie des Terrors

Der Volksgerichtshof 1934–1945. Terror durch „Recht”

Topographie des Terrors
Berlin | 25.04.2018-21.10.2018
Der Volksgerichtshof wurde 1934 von den Nationalsozialisten zur „Bekämpfung von Staatsfeinden“ geschaffen. Bis Kriegsende mussten sich mehr als 16.700 Menschen vor diesem neuen obersten politischen Gericht verantworten, das ab 1942 jeden zweiten Angeklagten zum Tode verurteilte. Die Ausstellung informiert über die Entstehung und Organisation des Gerichts, beleuchtet am Beispiel von Einzelschicksalen seine Urteilspraxis und informiert über den Umgang mit dem ehemaligen Gerichtspersonal nach 1945....
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I. Haas, Botanischer Garten und Botanisches Museum Berlin
I. Haas, Botanischer Garten und Botanisches Museum Berlin

Meet the Artist in Residence jetzt im Mai: Offenes Atelier & Spaziergang mit Karine Bonneval

Botanisches Museum und Botanischer Garten Berlin
Berlin | 29.06.2018-02.09.2018
Wie steht es um unsere Empathie gegenüber dem Nicht-Menschlichen? Die französische Künstlerin Karine Bonneval beschäftigt sich mit der Andersartigkeit von Pflanzen und den komplexen Interaktionen, die Pflanzen und Menschen trotz getrennter Reiche miteinander verbinden. Was wäre wenn wir Pilzen beim Wachstum zuhören könnten? Können wir unseren Atem mit Bäumen austauschen? Bonnevals Arbeiten tasten sich an mögliche Verbindungen zwischen Umgangssprache und Technologie heran. Seit 2014 hat sie zusammen mit verschiedenen Gruppen von Wissenschaftlern gearbeitet, darunter auch der Forschungsgruppe für Pflanzenökologie an der Freien Universität Berlin unter der Leitung von Matthias Rillig. Zusammen haben sie Projekte entwickelt, die innovative Forschungsfragen und neueste Methoden auf dem Gebiet der Bioakustik, Mikroskopie und thermischen Bildgebung. Während ihres „Artist in Residence“-Aufenthaltes am Botanischen Garten im Frühjahr 2018 wird sich Karine Bonneval in ihrer künstlerischen Forschungsarbeit mit der Königin der Wasserpflanzen auseinandersetzen: der Riesenseerose Victoria amazonica. Die Ergebnisse ihrer Untersuchungen werden gemeinsam mit anderen Objekten, Sound- und Videoinstallationen in der Ausstellung im Botanischen Museum gezeigt. Ihre Arbeiten sind in besonderer Weise den „ernsten“ Naturwissenschaften verpflichtet, zugleich reflektieren sie aber auch jedoch in einzigartiger Weise den fragilen und poetischen Charakter und Poesie von Begegnungen und Interaktionen zwischen Mensch und Pflanze reflektieren....
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Computerspiele Museum, Foto: Jörg Metzner
Computerspiele Museum, Foto: Jörg Metzner

Monsters Attack Planet Earth

Computerspiele Museum
Berlin | 19.03.2018-26.08.2018
Knetmassen-Monster und Papp-Ungeheuer erobern in stockenden Bewegungen die Leinwand. UFOs an Bindfäden fliegen auf verschreckte Betrachter zu. Anfang der 1950er Jahre wird die Stop-Motion-Animation durch Tricktechniker wie „Ray“ Harryhausen revolutioniert und bietet neue Möglichkeiten, künstliche Kreaturen auf Film zu bannen. In den darauf folgenden Jahren überschwemmen Monsterfilme die Kinos. Projektoren werfen Zyklopen, Drachen-Echsen, Riesenameisen sowie unzählige andere Monster auf die Leinwand und geben den Zukunfts-Ängsten der damaligen Zeit ein Gesicht. Die interaktive Sonderausstellung „Monsters Attack Planet Earth“ nimmt die Besucher mit auf eine Reise in die längst als Trash abgetane Filmwelt. Sie zeigt Videospiele, welche die einzigartige Ästhetik damaliger Monsterfilme einfangen, persiflieren und sogar ähnliche Produktionsverfahren nutzen. Die Spannweite der präsentierten Titel umfasst dabei über 30 Jahre Videospielgeschichte....
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Plakat zur Ausstellung "Protest + Neuanfang, Bremen nach ‘68"
Plakat zur Ausstellung "Protest + Neuanfang, Bremen nach ‘68"

Protest + Neuanfang, Bremen nach ‘68

Focke Museum - Bremer Landesmuseum für Kunst-und Kulturgeschichte
Bremen | 30.08.2017-01.07.2018
Bremen ist anders. Von hanseatisch-zurückhaltend, traditionsbewusst und weltoffen bis links-alternativ, experimentierfreudig und kämpferisch – Gegensätzlicher können Beschreibungen nicht sein! Warum ist das so? Mit der neuen Sonderausstellung »Protest + Neuanfang, Bremen nach ‘68« wirft das Bremer Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte einen Blick auf Bremens jüngere Stadtgeschichte. Im Fokus stehen die ereignisreichen Jahre zwischen den Straßenbahnunruhen 1968 und der Schließung der Großwerft AG Weser 1983. In kürzester Zeit vollzogen sich zum Teil widerstreitende Entwicklungen: Die Aufbruchsstimmung einer jungen Generation, die traditionelle Normen überwinden wollte, traf auf fundamentale wirtschaftliche Umbrüche. Der Niedergang alter Großbetriebe, der das Ende der klassischen Industriegesellschaft markierte, überschattete die Zukunftshoffnungen; ökologische Probleme traten verstärkt in das öffentliche Bewusstsein; die Angst vor Krieg und atomarer Bedrohung war allgegenwärtig. Zugleich eröffneten sich aber auch neue Chancen: Zukunftsweisende Technologien und Wirtschaftszweige entstanden; durch Zuwanderung wurde das Leben in der Stadt immer vielfältiger; eine neue Generation von Bremerinnen und Bremern begann heranzuwachsen; neue Formen der politischen Teilhabe wurden geschaffen; neue politische Kräfte formierten sich. Dieser Wandel erfasste das soziale Gefüge der Stadt, die Alltags- und Popkultur und beeinflusst den Charakter Bremens bis heute....
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